Archives de l’auteur : Ekaterina Gorbunova

Broderies et fourrures

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L’exotisme qui bat son plein

La profusion des matériaux et d’éléments décoratifs caractéristiques pour le costume traditionnel russe répond bien au gout général des « années folles ».

Costumes traditionnels de fête, à gauche: région de Ryazan; à droite: région de Voronezh, fin XIXe-début XXe siècle, Musée historique d’Etat, Moscou

Les couturiers parisiens puisent dans le vocabulaire décoratif russe qui se distingue par une grande variété des motifs géométriques et naturalistes stylisés, disposés généralement en bandes superposées.

De gauche à droite: 1) Jeanne Lanvin, robe en taffetas de soie noire, broderie Cornély, broderie de perles de verre et corail, hiver 1920-1921, Palais Galliera, Paris; 2) Chanel, robe brodée, Vogue Paris, 1924

Les maisons de couture parisiennes puisent dans un grand choix de techniques décoratives: broderies au point de croix, broderies à jour, broderies de perles de rivière, de verroterie, de paillettes; ainsi que des impressions sur tissu et des garnitures de fourrure.

La biche apprivoisée, robe de Paul Poiret, illustration par André Marty, La Gazette de bon ton, 1922

Puisque la broderie fait partie des techniques que les nobles russes maitrisent dès leur plus jeune âge, un nombre considérable d’émigrées russes qui s’installent à Paris après la révolution de 1917, gagnent leur pain en exécutant des broderies pour les grandes maisons de couture dans les années 1920. Ainsi, la maison de broderie Kitmir, fondée par la grande duchesse Maria Pavlovna Romanova, connait un succès particulier, en fournissant d’abord Chanel et plus tard la plupart des grandes maisons parisiennes.

Maison Kitmir, Manteaux d’hiver brodés dans le style russe, Mode à Paris, 1922

Il convient toutefois de nuancer la question de l’origine de ces motifs. Etant donné l’engouement de cette époque pour l’exotisme et la multiplicité des inspirations dont se nourrit la mode art déco (motifs slaves, et plus largement paysans, persans, égyptiens, extrême-orientaux), la plupart de temps, il est difficile d’affirmer avec certitude que la provenance de tel ou tel motif. Souvent, diverses influences exotiques sont mélangées ensemble dans un éclectisme certain.

Parmi les nombreuses contributions des Russes figure l’art traditionnel d’allier la fourrure aux tissus. Pour les saisons froides, il y avait des pelisses ou des caftans, ou encore des manteaux doublés de fourrure. Pour rendre les vêtements plus chauds, on y ajoutait aussi des cols en fourrure.

Femme en costume de Russie du Nord, province de Tver, photographie de la collection Chabelskaya, Musée d’ethnographie de la Russie, Moscou

Robes et manteaux du soir agrémentés de fourrure comptent parmi les classiques des années 1920. Les hauts cols sont garnis de fourrure, ainsi que les bordures des manteaux (le long de l’ouverture et dans la partie basse) et le bas des manches.

De gauche à droite: 1) Paquin, Robe d’après-midi en crêpe de soie, lamé or, broderies à l’aiguille de perles, de fils métalliques et de fils de soie, miroirs, fourrure, vers 1923-24, Palais Galliera, Paris; 2) Modèle de robe «Tzarine », début des années 1920; 3) Philippe et Gaston, tailleurs garnis de fourrure, Vogue Paris, 1924

La roubachka et le sarafante

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Vêtement des “moujiks” porté par d’élégantes parisiennes

La roubachka est une blouse ou tunique d’homme faisant partie du costume paysan russe. Elle est ceinturée à la taille et décorée pour les fêtes de broderies aux épaules, autour du col haut et à l’ourlet du bas.

Costume masculin paysan, chemise ceinturée et pantalon, début XXe siècle, Musée d’histoire, Moscou

Sous le Second Empire la blouse russe se répand dans le costume du garçonnet. On retrouve cette coupe avec un col debout et une ouverture en diagonale également sur quelques robes pour femme autour de 1889-1890.

Mais c’est surtout dans les années 1920 que se répand une silhouette inspirée du costume paysan russe et composée de la roubachka portée sur une jupe longue.

Maison Kitmir, ensemble en kasha brodé, L’Art et la Mode, Paris, 1926

Chanel est l’interprète la plus célèbre de la roubachka. L’idée empruntée sans doute à la garde-robe de son amant le grand-duc Dimitri Pavlovitch Romanov.

Chanel, Ensemble de jour, 1923, Metropolitan museum, New-York

Dans ses collections des années 1924, elle rebrode ces blouses des moujiks au point de chainette de dessins multicolores, de perles de verre ou de paillettes. En outre, elle orne ses vêtements des pelisses de fourrure – on n’en verra jamais autant dans ses collections.

Chanel, Ensemble tunique et jupe brodé au point de chainette, Vogue, 1920; un manteau brodé, Vogue, 1922; Robe-chemise brodée, Vogue, 1922; Manteau garni de fourrure, Vogue, 1923

Le sarafane symbolise traditionnellement le costume russe. Cette robe droite sans manches portée par-dessus une longue chemise était largement répandue au XVIe siècle, tant au sein de la noblesse féodale et des citadines que chez les paysannes. Les chemises portées avec le sarafane étaient dotées de manches larges, longues, et resserrées aux poignets.

Femme en costume de Russie du Nord, province de Novgorod, photographie de la collection Chabelskaya, Musée d’ethnographie de la Russie, Moscou

Le plus répandu fut un sarafane évasé, coupé en biais et boutonné sur le devant. Les panneaux avant s’agrafent de haut en bas à l’aide de boutons. Les sarafanes étaient décorés à l’aide d’un passement ou de dentelle d’or.

De gauche à droite: 1) Jeanne Lanvin, Robe et chapeau de style russe, 1923; 2) Robe de jersey de laine beige, brodée d’une broderie à la paysanne, Vogue, 1925; 3) robe en crêpe satin blanc garnie de galons et de bandes de chinchilla, l’Art et la Mode, 1923; 4) Robe parue dans l’Art et la Mode, 1923

On remarque aussi l’emploi du plastron décoratif, comme sur les roubashkas, et du tablier, qui, dans le costume populaire, était porté par-dessus le sarafane.

De gauche à droite: 1) Costume de Russie centrale porté par une citadine, début du XXe siècle, lin et coton brodé au point de croix rouge, Musée Galliera, Paris; 2) Charles Courtisien, robe en crêpe, col en dentelle, l’Art et la Mode, 1923; 3) Robe de deuil, Vogue, 1927

 

Costumes d’apparat

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Expression patriotique dans les costumes de la cour de Russie

En 1834, la nature du vêtement féminin d’apparat de la cour est établie par un décret incorporé dans le code des lois de l’Empire russe. Ce décret définit la coupe, la facture, la couleur des tissus et le type de décor. Afin de conférer à cette tenue un caractère national, on reprend certains éléments du costume traditionnel russe : de très longues manches flottantes aux emmanchures ouvertes, descendant presque jusqu’aux genoux, le milieu devant du vêtement souligné d’un décor et d’une plaque garnie de boutons, comme dans la robe sarafan. Cette toilette officielle était complétée de la coiffure russes kokochnik garnie d’un voile de dentelle ou de tulle.

Pimen Orlov, Portrait de Sofia Vassilievna Orlova-Denisova en costume de dame de la cour, 1835, Musée de l’Ermitage

Ce costume de cour fut conservé dans ses grandes lignes jusqu’en 1917.

Impératrice Alexandra Feodorovna Romanova en robe de cour, 1906

Voici comment un chroniqueur de l’Illustration mondiale décrit une réception donnée au Palais d’Hiver en 1895, à l’occasion de la présentation de l’impératrice Alexandra Feodorovna aux dames de la cour et de la ville : « La somptueuse salle blanche Nikolaevskaia se remplit de dames vers une heure et demie. C’est alors que se manifestèrent dans tout leur éclat, la beauté et la richesse de l’original costume russe. Le pittoresque de sa composition… appelait le pinceau du peintre. Comme les coiffures kokochnik étaient luxueuses… comme étaient riches les robes sarafan, de velours, de soie, d’indiennes ; comme étaient riches également le brocart et la fourrure des liserés, les fleurs et les dentelles. Quelle diversité de couleurs et de nuances, du vert et du bleu foncé aux couleurs tendres, vert clair, rose et lilas. Parmi l’éclat et la richesse des toilettes, les diamants et les pierres précieuses, les bandeaux rouges et les traines rouges brodées d’or des dames d’honneur de la grande cour, se promenaient, ici et là, des maitres de cérémonies en tuniques cousues d’or, plaçant les dames ».

Maison O. Boulbenkova, Robes de cour. A droite: corsage, jupe et traine, en soierie façonnée argent, broderie d’argent, seconde moitié XIXe siècle. A gauche: corsage, jupe et traine, en velours rouge et soie blanche, broderie or, fin XIXe siècle. Musée de l’Ermitage

Parmi les ateliers fournissant des costumes d’apparat féminins celui qui jouissait de la plus grande popularité était connu sous l’enseigne de « Madame Olga », fondé à Saint-Petersbourg au milieu du XIXe siècle par Olga Nikolaevna Boulbenkova. On y réalisait essentiellement des toilettes pour la famille impériale, en vue de célébrations de couronnement, de mariages et d’autres événements solennels. Des robes confectionnées dans cet atelier ont furent portées par l’impératrice Maria Alexandrovna, épouse de l’empereur Alexandre II, par Maria Feodorovna, épouse de l’empereur Alexandre III, et par Alexandra Feodorovna, épouse de l’empereur Nicolas II.

Le kokochnik

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Les origines de la légendaire tiare des années 1920

L’apport le plus populaire du costume traditionnel russe est sans doute le kokoshnik, une coiffure festive du nord de la Russie, dont s’inspirent chapeliers et joailliers.

Kokochnik, Russie, XIXe siècle, papier, soie, métal, perles, verre, collection Chabelskaya, Brooklyn Museum Costume Collection at The Metropolitan Museum of Art, New York

Coiffure de tête traditionnelle en forme de couronne recouvrant le front, le kokoshnik possède souvent des décorations en perles ou en nacres attachées devant au niveau du front, tandis que derrière il comporte des bandes de tissu précieux descendant le long du dos.

Ballerine russe Anna Pavlova portant un kokochnik, 1911

On utilise des tissus précieux comme le brocart, le velours et la soie, ainsi que le passement, les perles, la nacre, les pièces métalliques avec du verre et des pierres, ou les feuilles métalliques. La broderie de fil d’or était aussi utilisée.

Photographies des mariées portant des tiares dont la forme s’inspire du kokochnik, Vogue Paris, 1925

Le kokoshnik est interprété par les créateurs français en chapeau de jour comme de soir. C’est du kokoshnik que provient la légendaire tiare des années 1920, portée lors des bals, des mariages ou autres grands événements. Le kokoshnik confère au visage une intensité dramatique. On l’orne de broderies exotiques ou de bijoux stylisés, ou encore de plumes d’autruche enduites de glycérine.

Elisa Lauth, Bandeau, tulle, dentelle, argent, strass, tube (perle), vers 1925, Palais Galliera, Paris

Le kokoshnik peut également être cousu sur des turbans, des toques ou des chapeaux cloches. Jeanne Lanvin crée une collection des chapeaux reprenant les formes des coiffes russes.

Lanvin, chapeau de style russe, Vogue Paris, 1919

La maison « Auguste Bonaz » offre même des peignes-kokoshnik en plastique.

Auguste Bonaz, peignes en forme de kokochnik, Vogue Paris, 1924

Maison Nadezhda Lamanova

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En habillant l’impératrice et les Soviets

Une des plus célèbres modélistes russes, Nadezhda Lamanova était à la tête d’une maison de couture dont le raffinement rivalisait avec les maisons parisiennes de la fin du XIXe-début XXe siècle. Après la révolution bolchévique de 1917, Lamanova s’applique avec la même zèle afin de créer les vêtements pour l’ “homme nouveau soviétique”.

Valentin Serov, Portrait de Nadezhda Lamanova, 1911

Fille d’un militaire, née en 1861 à Nijni-Novgorod, Nadezhda Lamanova montre un penchant pour l’art de la couture dès son plus jeune âge. En 1881, elle entre à l’école de couture d’E A Souvorova à Moscou, et en 1885 elle ouvre son propre atelier dans la même ville. Le travail de l’atelier de Lamanova, grâce au talent exceptionnel de sa fondatrice et à son grand professionnalisme, gagne très vite la confiance des clients et acquit une grande renommée, aussi bien dans l’aristocratie de Moscou et de Saint-Pétersbourg que dans le monde théâtral et parmi l’intelligentsia russe. Dans les années 1800 déjà Lamanova réalise des commandes de la cour impériale et devint rapidement « fournisseur de Sa Majesté Impériale ».

Maison N. Lamanova, Robe de visite de l’Impératrice Alexandra Feodorovna, drap couleur ivoire, broderie de soie semée de paillettes, 1890. Cette robe de taille princesse aux manges en gigot d’inspiration historisante est parfaitement en ligne avec les modes parisiennes de la fin du XIXe siècle

En 1902-1903, elle participe avec succès à la première exposition internationale de costumes historiques et contemporains au palais Tavritcheski de Saint-Pétersbourg, au côté de célèbres créateurs français, tels que Paul Poiret, Redfern et les sœurs Callot.

Konstantin Somov, Portrait de E.P. Nosova portant une robe de la Maison Lamanova, 1910-11

Les créations de Lamanova jouissent, au début du siècle, d’une grande réputation non seulement en Russie, mais aussi en Europe. Le célèbre couturier français Paul Poiret loua vivement son talent, dans son livre En habillant l’époque, Paris 1930.

Maison N. Lamanova, Robe du soir en satin vert en mousseline noire, broderies de soie colorée et de fil de métal, 1912-1914, Musée de l’Ermitage

En 1917, Lamanova, alors âgée de 56 ans, avait fait un long parcours créateur, de la couturière débutante au fournisseur de la cour, propriétaire d’un atelier à la clientèle de prestige. Après la Révolution, elle continue à s’adonner activement à son occupation favorite. Elle propose notamment au ministre de la Culture Lounatcharski de créer un atelier de costumes contemporains, les autorités comprennent que pour former une idéologie « juste » il leur faut contrôler jusqu’à l’aspect de l’homme soviétique. Lamanova doit alors créer une mode ouvrière et paysanne à partir de presque rien: des foulards, des nappes et des serviettes, souvent ornés de motifs traditionnels.

Caftan taillé dans deux serviettes de Vladimir, illustration de V. Mukhina d’après le dessin de N. Lamanova, magasine Iskusstvo v bytu (L’art au quotidien), 1925

Même avec de telles matières premières, Lamanova parvient à créer une collection qui lui vaut le Grand prix de l’exposition universelle de 1925 à Paris.

Lilya Brik et Elsa Triolet (à gauche), mannequin non-identifié (à droite) portant les robes de N. Lamanova ornées de broderies traditionnelles, 1925

Maison Kitmir

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La grande duchesse au service de Gabrielle Chanel

Les broderies traditionnelles russes connaissent une popularité grandissante après la guerre où elles remplacent les tissus élégants, encore difficiles à trouver.

Les émigrées russes, qui ont appris à manier l’aiguille et le fil dès leur plus tendre enfance, étaient alors très demandées dans les ateliers. Princesses et comtesses se sont mises à réaliser toutes sortes d’accessoires, de bijoux, de broderies, de vêtements et de décorations d’intérieur au style slave. Les aristocrates savaient réaliser ce travail avec tant de précision que les commandes affluaient des plus grandes maisons de mode.

Les réalisations les plus spectaculaires ont été accomplies par la Grande-Duchesse Maria Pavlovna Romanova, cousine de l’empereur Nicolas II, qui fuit la Russie en 1917 avec son mari le prince Putyatin et s’installe à Paris.

La grande duchesse Maria Pavlovna Romanova à la broderie

Devenue proche de Gabrielle Chanel, Maria Pavlovna décroche un contrat d’exclusivité avec la couturière pour développer et fabriquer les broderies pour les collections saisonnières. Elle fonde, en 1922, la société Kitmir.

Publicité de la Maison Kitmir, Vogue, 1923

Cette année-là, Chanel lance sa collection russe où on peut apprécier des éléments du vestiaire traditionnel tels la vareuse, la pelisse et la roubachka.

Les broderies la maison Kitmir, qui se distinguent par une grande inventivité, ne s’inspirent pas seulement des motifs issus du monde slave, mais également de la Perse, de la Chine et de l’Egypte ancienne, dans l’esprit de l’exotisme propre à la mode parisienne des années 1920.

Maison Kitmir, échantillon de broderie, années 1920, Paris, Maison Hurel

La comtesse exécutait elle-même sa part (de lion) de commande (il lui est arrivé de dormir sur son manteau de fourrure à même le sol de l’atelier), mais elle employait aussi d’anciennes compatriotes pour les soutenir financièrement.

La maison Kitmir remporte, en 1924, une médaille d’or à l’exposition des arts décoratifs pour son travail de broderie.

Maison Auguste Brizak

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Le couturier préféré des impératrices russes

Célèbre modéliste et couturier russe, propriétaire d’un atelier de confection de mode féminine à Saint-Petersbourg. En 1908, l’atelier qui se trouvait au n°42 du quai Moika, fut déplacé au n°8 de la place Koniouchena. En 19016, dirigé par le fils d’August Brizak, Victor Brizak, il fut installé au n°4 de l’avenue Kamennoostrovskiy.

Les costumes d’A Brizak jouirent d’une grande popularité dans les années 1890-1910. Il s’y réalisa de nombreuses commandes de l’aristocratie de Saint-Petersbourg et de la cour impériale, notamment de l’impératrice Alexandra Feodorovna.

Introduction

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La fin du XIXe-début XXe siècle en Europe sont marqués par une attirance particulière pour l’ethnographie. Le monde paysan inspire, y compris les costumes nationaux et leurs broderies, qu’ils soient roumains ou tchécoslovaques ou russes. Une des influences étrangères les plus fortes sur la mode occidentale demeure celle des Russes, particulièrement dans les années 1920.

Le public parisien bénéficie de nombreuses occasions pour découvrir cette culture exotique et spectaculaire. En 1900, une partie de la collection des costumes de Chabelskaya est montrée à Paris. En 1907, sont exposées au musée des arts décoratifs des broderies créées par les paysannes des environs de Smolensk.

Dans la même logique, en Russie de la fin XIXe-début XXe siècle se développe un vrai intérêt pour le passé et les traditions nationales, la culture slave. Les collections d’art populaire rassemblées par Tenisheva, Chabelskaya, l’organisation des expositions des produits de l’industrie artisanale, la création des musées de l’art populaire ont suscité à la fin du XIXe s et au début du XXe s un énorme intérêt envers les arts appliqués traditionnels et notamment le costume. Les tableaux aux sujets historiques, teintés de romantisme, de Vasnetsov, Nesterov ont fait connaître au public le costume russe stylisé. Cet engouement général se développe également grâce aux efforts des auteurs des romains d’histoire, des auteurs d’opéras et des pièces de théâtre aux sujets historiques et mythologiques avec leurs mises en scène costumées, des architectes et des peintres portés par la veine slavophile.

L’apogée de cette veine slave est atteint en 1903, avec le bal costumé au palais d’Hiver, où tout les participants étaient vêtus de riches costumes des boyards inspirés du 17e siècle. Apparaît ainsi le style néo russe et néo byzantin.

Quinze and plus tard, ce style va indirectement influencer la mode occidentale des années 20, à travers l’activité des émigrés russes. Fuyant la révolution d’octobre 1917, les aristocrates russes émigrés en France vont parfois apporter avec soi des objets relevant de cette mode pseudo russe.

Vers 1921, la France accueille, suite à la révolution d’octobre 1917 en Russie, environ 150 milles réfugiés, issus principalement de la noblesse russe. Ruinés et perdus, sans abri et espérant la victoire des l’armée blanche dans la Guerre civile, les émigrés comptaient encore revenir dans leur patrie. Pourtant, l’argent accumulé grâce à la vente des bijoux de famille était rapidement dépensé, et le support financier des associations charitables ne suffisait pas. La position des réfugiés russes à l’époque était dramatique, s’intégrer dans le monde du travail pour eux était d’autant plus difficile que la plupart de temps ces nobles russes n’avaient aucune expérience professionnelle.

Ainsi, les aristocrates extrêmement éduqués devenaient ouvriers, chauffeurs de taxi, serveurs. Environ 40% de femmes de l’émigration russe ont commencé à travailler dans le domaine de la production de mode. « On ne saurait exagérer le courage avec lequel les dames de la haute noblesse russe, bannies de leur patrie par la révolution, se sont mises au travail » – écrira-t-on dans un journal à l’époque. Elles faisaient de la couture, du tricot, fabriquaient des chapeaux, des écharpes de soie peints, de la lingerie, travaillaient dans la gestion des maisons de mode, et en tant que mannequins.

Voici ce que l’en témoigne le magazine l’Art et la Mode en 1922: “Malgré les probabilités douteuses et les pronostics pénibles, il est difficile de douter de la résurrection de la Russie. Un peuple dont le génie trouve à s’exprimer avec une telle force parmi le désastre d’un cataclysme aussi sanglant ne saurait disparaître du Monde. Il semble que, par un phénomène social, déjà observé ailleurs, l’âme russe s’exhale avec une puissance renouvelée parmi les affres de sa torture sans nom. C’est un esprit nouveau qui s’atteste actuellement avec une force accrue. Paris semble lui-même traversé de frissons sous l’inspiration fébrile de l’esprit slave. Il n’y a pas que les restaurants russes à Paris. Il y a autre chose que ces chauffeurs de taxis ou ces professeurs de danse que l’on assure être d’anciens aide-de-camp du tsar… Nous avons mieux encore. Nous avons toutes les étoffes et les parures russes présentées avec un art nuancé et suprême dans leurs coloris chatoyants.

 Parmi les pittoresques boutiques aux devantures animées, vous admirerez ces étoffes chatoyantes, ces châles indescriptibles, ces tissus d’une inspiration à la fois naïve et raffinée où les couleurs chantent, jouent, se dispersent, se rassemblent dans des harmonies d’une virulence et d’une piété si captivante. Il y a des tuniques rehaussées de dentelle d’un art inégalable ! des écharpes inoubliables, des broderies merveilleuses. Les ceintures surtout qui mêlent le cuir, les tresses, les rubans, suivant une ordonnance barbare et somptueuse.

            Il y a des fourrures russes apprêtées par ces artistes instinctifs, des bijoux enfin, conçus suivant le style moscovite. Ce sont des boules de bois, d’ivoire, de cornaline, de jade, de pierres dures profilées en boules, en cubes, en anneaux, enfilés semble-t-il sans aucune idée préconçue, en désordre, au hasard, mais qui, rassemblées, composent une unité de ton, une douceur de décor dont l’attrait séduit et retient. Je crois vivement que nos modes subiront l’influence directe de ces artistes naïfs et savants.